“Kunst ist Leben” /El arte es vida

La ciudad de Postdam, capital del estado de Branderburgo, está a no más de 40 minutos de Berlín en tren y es una visita obligada,  si se quiere disfrutar de una amplia oferta patrimonial y cultural, siendo el Parque de Sanssouci, el complejo más conocido por los magníficos edificios palaciegos que alberga (lo mandó construir Federico el Grande en el s.XVIII).  Pero también esta ciudad tiene un espacio para el arte contemporáneo en un museo dedicado al movimiento Fluxus ,en el cual podemos ver obras de artistas que participaron o son cercanos a éste, albergando una amplia colección del alemán Wolf Wostell . El hecho de haberle añadido una + al nombre del museo le proporciona una licencia para exponer obras de artistas contemporáneos, aunque tengan poco o nada que ver con el movimiento. Así  en este post, no voy a detenerme  en el museo o el movimiento Fluxus al que le dedicaré seguro otra entrada, sino en un artista que me pareció muy interesante  el napolitano Costantino Ciervo, que  aunque no tiene nada que ver con el movimiento si creo que ambos  comparten la máxima de no separar la expresión artística de la vida.

Su formación abarca las ciencias políticas, la filosofía y la historia del arte, interesándose  en los mecanismos de la economía mundial, la sociedad,  la cultura y la política, siendo esta última una constante en su obra,  con temas como la globalización, la tecnología, la genética o el capitalismo examinando además las relaciones de las personas con estos temas.

El museo tiene expuestas varias obras de Ciervo, entre ellas la instalación Empire (2003). Al entrar en la sala el espectador encuentra nueve rudimentarios pupitres con sus correspondientes sillas, en los cuales se han colocado máquinas de escribir manipuladas con micrófonos, sensores, altavoces etc..

Podría ser una oficina o una sala de prensa, pero da una sensación de frío ordenamiento, aunque se produce una relación directa entre el espectador y los objetos que forman la instalación; cinco de las máquinas repiten una mezcla de discursos políticos. Se tratan de discursos históricos, la mayoría en inglés, de las principales personalidades de los gobiernos que han tenido un papel central en los eventos recientes de los medios de la guerra y económica. Las otras cuatro máquinas de escribir están equipadas con contestadores que registran, alteran y reproducen de una manera distorsionada esos sonidos en la sala. Además entre las mesas hay máquinas trituradoras de documentos.

Además cuando los sensores de las maquinas  detectan la presencia del espectador, comienzan a simular que escriben, pasando esas escrituras a unas pequeñas bolas transparentes, que hay en cada máquina y que se repiten también en el mapamundi que preside la sala. Las bolas no están vacías sino que están rellenas de papeles triturados.

Con esta complicada escenografía Ciervo trata el tema de la cantidad ingente de información que nos llega a diario, en el trabajo, en la escuela, en nuestras casas  a través de los medios  de comunicación, la cual además siempre está controlada por algún tipo de poder.Es una instalación que busca agitar o despertar las conciencias del espectador que se encuentra ante ella.

En el siguiente video podéis ver dicha instalación en una exposición que se realizó en el año 2003, en la sala homónima a la berlinesa  la galería Vostell  de Madrid

Buscando material he encontrado esta entrevista que  realizaron a Costantino Ciervo  en Septiembre del año 2003 , en Telemadrid, con motivo de la exposición que realizaba en la galería Vostell  de Madrid. Os aconsejo que la veáis no solo por las cuestiones tan interesantes de las que habla, sino por las preguntas del entrevistador.

En la misma exposición se puede ver la instalación “Tell me the Truth” (2009) formada por   tres casas de madera  reproduciendo cada una tres escenas de vídeo diferentes: “sueño inducido” (artista dormido), “Tell Me The Truth” (interrogatorio) y “ desnudarse “(gaviotas). La expectativa de que el arte mejoraría el mundo no se cumple . En un interrogatorio se intenta aprender la verdad,  pero el artista no está en posesión de ella. Ataque y contraataque, simbolizado por las gaviotas, la  lucha continua entre los que quieren imponer una homogeneidad en la cultura y los que apoyan la diversidad.

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Este año han participado 51 galerías y 66 exposiciones,  que han ido desde lo emergente hasta lo establecido,  aunque también hay destacar que no ha habido mucho riesgo en las apuestas, todo “muy vendible”. También era sorprendente ver gran cantidad de obras que se mostraban,  que habían sido realizadas hace décadas.

También se puso a disposición de los usuarios a través de Eye Out,  una app  gratuita del evento,donde se podía consultar horarios, galerías, eventos o artistas, eso si solo para Iphone o Ipad. Para los que tenemos Android había una versión web que era un poco incómoda de utilizar.

Así Gallery Weekend comenzó el viernes (tengo que decir que con tiempo que no acompañaba mucho)  con inauguraciones en las galerías, mucha gente bien vestida y  BMW negros paseando con la marca del evento.

La galería Sprüt Magers presentó 26 obras del  artista conceptual alemán Kosuth, mostrando desde su obra más temprana, como  las primeras luces de neón_ Cinco Fives (a Donald Judd) [orange], (1965), junto a obras recientes, como elementos de su serie de Beckett (2011). Construido en una forma que responde activamente al espacio arquitectónico específico de la galería.

Vista de la instalación de  Joseph Kosuth, ‘Insomnia: assorted, illuminated, fixed.’ en Sprüth Magers Foto de Art connect Berlin

Hans Peter Feldmann se encontraba por ejemplo en dos espacios en la galería Mehdi Chouakri en la cual el artista trata ese momento entre la exposición y la venta de la obra.Así presenta la huella o la memoria de lo que ya no está. Las paredes vacías, pero llenas del recuerdo de una pieza, destacan un momento crucial de las galerías: el momento después de la venta.

Hans Peter Feldmann en la galería Mehdi Chouakri, Foto de Mehdi Chouakri

En el caso de la exposición Kunstaustellug (Exposición de arte) de este artista en la Jonhen Galerie, encontramos el estilo de obra más conocida del artista, que  también se pudo ver en la exposición que se celebró en el Museo Reina Sofía, donde Feldmann vincula continuamente su trabajo a la historia de la producción de la imagen y su cultura. Desde obras de arte a la producción en masa, de los libros de los niños a la fotografía y postales que recolecta y en la cuales interviene introduciendo por ejemplo una nariz roja, los ojos cruzados y los ojos negros añadiendo un toque moderno y humorístico a las solemnes obras.

O el caso de la escultura con una reproducción de e princesas Louise y Friederike de Schadow, pero pintado en colores brillantes. De este modo, Feldmann aplica un atractivo pop un poco vulgar de nuestro tiempo a la “noble sencillez y la grandeza silenciosa” de Schadow.

También muy  interesante la obra de  Valie Export en la galería  Żak | Branicka, “Bilder der Berührung (Imágenes de la contingencia) mostrando diferentes obras de esta artista, donde se podía ver instalaciones, dibujos o fotografía entre otros.

El título de la exposición se toma de una instalación que realizó la artista en 1994 Fragmente der Bilder einer Berührung  (fragmentos de imágenes de Contingencia),  en la bombillas son rítmicamente inmersas en los cilindros llenos de leche, aceite usado, o agua.

Y la  joven artista polaca Alicja Kwade convierte  el interior de la Iglesia Agnes St Werner Düttmann en Kreuzberg, posteriormente adquirida por Johann König, en una nueva versión del famoso péndulo de Foucault , con una bombilla ocupando el lugar del peso y un micrófono fijado a ésta, amplificando el sonido de su movimiento.

Nach Osten de AlicjaKwade  JohannKönig en  Foto de Art Connect Berlin

Esto es solo una pequeña muestra de lo que se pudo ver, pero si quieres ver obras y videos de todas las galerías participantes,  no te pierdas el Tumbrl que hicimos el equipo de Art Connect Berlin, para esta ocasión.

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Una gran parte de los  museos, tienen de una forma u otra sus colecciones digitalizadas, siendo éstas  muchas veces poco atractivas para el público. Por otro lado  asistimos a narrativas museológicas, que pocas veces cambian,  y que no implican al visitante.

Os propongo dos ejemplos de iniciativas que se están realizando actualmente, en las cuales, aunque de  manera diferente  se propone  a los usuarios que sean ellos  los  responsables de seleccionar o curar las obras  de la colección del museo,  que  luego darán lugar a una exposición offline u online:

El primer caso es  People’s Choice: A Community-Curated Exhibition iniciativa  promovida por el Gibbes Museum of art, en la cual los usuarios pueden votar entre una selección propuesta por la entidad  de  140 obras provenientes de la colección permanente (formada por más de 7.000 obras de arte).  La razón por la cual han sido ellos los que han escogido este número de obras restringidos para que los usuarios voten,  lo explican en este post, y responde a un intento de no abrumar al público con una ingente cantidad de obras y que de paso dificulte  la navegación online, sino que sea una muestra representativa de la colección.

Así las 5 obras más votadas por los usuarios serán las que aparecerán en una exposición en el espacio del museo el próximo 4 de Mayo.

Como parte del proyecto,  también existen usuarios llamados “Featured Voters” los cuales tienen su propio espacio en la web, y contestan las siguientes preguntas:

1. ¿Por qué el arte es importante en tu vida?

2. ¿Cuál es tu primer recuerdo relacionado con el arte

3. ¿Cuál es tu experiencia artística más memorable?

4. ¿Quién es tu artista favorito?

5. ¿Por qué los museos son importantes para ti?

Estas  respuestas también serán incluidas en la exposición. Lo que no queda muy claro es el proceso por el cual la entidad selecciona estos “votantes destacados”, ya que el proceso de voto de las obras es totalmente anónimo, por lo que no tienen datos de los participantes y en la web solo indican  que estos votantes destacados  son personas destacadas de la comunidad.

Para fomentar la participación han simplificado al máximo el proceso  de votación,  de manera que solo tenemos que entrar en la página de la obra seleccionada,  y pulsar un botón para reflejar nuestro voto. En esa misma página encontramos información sobre la obra en cuestión, y  un espacio para  dejar nuestro comentario y compartir en las redes sociales.

 Me gustaría detenerme en el tema del registro de usuarios en las plataformas.  Cuando queremos implicar a la gente para que  participe, es una cuestión de discusión en proyectos de esta índole ¿Qué hacemos?  ¿ se bajan las barreras de entrada  al máximo para incitar que la gente vote como en este caso?  Eso puede ser una solución pero por otro lado  no sabremos nada del mismo y no sé hasta qué punto, el usuario que vota se siente cercano al proyecto.

La otra opción es  subir las barreras de entrada, pidiendo un registro mínimo ( o utilizando el plug-in de registro a través de Facebook o Twitter) y  en el caso de este proyecto  permitirle votar (y que aparezcan también otros usuarios que han votado esa obra por ejemplo ) y también  realizar otras acciones en la plataforma como comentar.

Yo siempre soy partidaria de que el registro siempre hay que pedirlo cuando esté justificado y cuando vaya alineado a los objetivos de nuestro proyecto, y no pedir datos simplemente para tenerlos en nuestra base de datos.

La segunda iniciativa está promovida por el Clark Art Institute  y se llama  Clark Remix, permite a los usuarios conocer más de la colección de esta institución y curar su propia exposición utilizando dos ingeniosas herramientas:

La primera se llama  Uexplore , los usuarios pueden navegar por un catálogo visual online y conocer la obra  a través de recursos textuales y en algunos casos audio y video, para de esta manera conocer más de cerca la colección permanente de la institución.

La segunda  es Ucurate, una herramienta en tres dimensiones,  con la cual podemos curar nuestra propia exposición en una espacio online, seleccionando una a una las obras que nos interesa, y colocandolas en el espacio que consideremos más adecuado (es interesante que cada vez que se selecciona una obra podemos poner un comentario de porqué la hemos escogido). Una vez finalizada podemos ponerle un título, y explicar la idea general de la misma.

Una vez hecho esto podemos compartirla en las redes sociales y se sube a una galería online donde podemos ver el resto de exposiciones virtuales.

Pero ahí no queda la cosa, de todas las exposiciones subidas el equipo de comisarios del museo seleccionará algunas de ellas, y estas se reproducirán en el espacio físico. Podéis ver aquí el ejemplo de una de las seleccionadas Giselle´s remix  de tan solo 11 años, y a continuación un video (en inglés) donde habla de su exposición:

La imagen es de la galería de Susan NYC  en Flickr

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La línea principal de trabajo  de este artista alemán cuestiona qué es “digital” y que es “real”, y donde o como se superponen ambos,  así por ejemplo, en su obra lleva símbolos e imágenes del espacio online a la realidad cotidiana, para hacernos reflexionar acerca de la percepción de dichos entornos, como espacios que, en cierta forma, habitamos.

Como el caso de su obra Maps, una instalación en el espacio público, donde utiliza un modelo físico del famoso marcador rojo del servicio Google Maps y lo coloca en el lugar exacto donde indica el buscador que está el centro de la ciudad.

En la muestra  Offline Art: new 2 se presenta una selección de obras de net art de doce artistas pertenecientes a diferentes “generaciones de internet, incluyendo algunos bastantes conocidos como  JODI, Olia y Dragan o Espenschield Lialina y a otros más jóvenes, que trabajan en el entorno online y offline.

Cada pieza está asignada a un router wifi y es accesible desde cualquier dispositivo móvil (tablet, smartphone o un portátil). Para acceder a cada obra el visitante debe conectarse a cada red por separado, de manera que se abre únicamente esa pieza en el navegador.

Los routers aparecen colgados uno al lado del otro en el  espacio expositivo,  haciendo una función de marco de la obra, y ¿Qué papel juega la galería en esta exposición? ésta toma el papel de punto de acceso a la obra,  ya que no existe un sitio web donde se puedan ver todas obras, el enlace solo está disponible in situ, a través de los routers.

También es muy interesante la relación entre la obra y el dispositivo desde el que se visualiza, ya que nos plantea nuevas relaciones entre net art y los dispositivos móviles, en un momento de auge de estos últimos.

Y por supuesto nos queda la eterna pregunta de la relación del net- art con el mercado del arte, y como se resuelve en esta exposición, el net art parte de una idea de libre acceso (hay que pensar que muchas de las obras de la muestra están disponibles en línea), que choca frontalmente con la idea de propiedad el mercado del arte, además nunca ha sido uno de los objetivos principales de esta disciplina entrar a formar parte.

Tal y como se explica en este artículo, la fórmula a la que llega la propuesta de Bartholl y la Galería XPO es que por ejemplo  se puede adquirir el  Router y el usb (algunos están formados por el artista), de esta manera la compra estaría relacionada con un mayor acceso a la obra,  más que una compra exclusiva de la misma y por otro lado esta fórmula estaría destinado a un comprador más interesado en mostrar su apoyo al artista que en la plena posesión de la obra, funcionaría más como un donante.

En este enlace  podeis consultar más imágenes de la exposición.

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Es un atentado contra el patrimonio e historia de la ciudad,  una falta de respeto de  las autoridades hacia los ciudadanos, además de un torpe gesto ya que este enclave recibe una gran cantidad de visitas.

Uno de los más famosos murales que pueden verse en esta “galería” es Bruderkuss (“beso de hermano” ) del artista Dmitrji Vrubel que representa al presidente Ruso Leonid Breshnev besando a Eric Honecker, Secretario del Comité Central de Seguridad de Alemania Oriental, y responsable de la construcción del Muro de Berlín.

La inscripción sobre el Mural en alemán y en ruso “Oh Gott, laß mich diese tödliche Liebe überleben / Господи, помоги мне выжить среди этой смертельной любьви! (Oh Dios, ayúdame a sobrevivir a este amor mortal!). La pintura está basada en una fotografía de Breshnev y Honecker besándose en 1979 en la celebración del 30 aniversario dela República Democrática Alemana (RDA).

Y  ¿Qué tiene que ver todo esto qué estoy contando con el Street art?  Existe una variada terminología (y discusiones) para referirse a este tipo de  manifestaciones artísticas, a mi me gusta utilizar Street Art, ya que considero que es el término más abierto y el que mejor engloba la variedad de técnicas, estilos y temáticas que se pueden encontrar actualmente, y que responden a una necesidad de “apropiación” de los espacios públicos, que “supuestamente”pertenecen a los ciudadanos, pero que en a práctica,  son en  más ocasiones de las que debiera privados y reservados únicamente a la publicidad.Las pintadas que se sucedieron a lo largo del muro de Berlín, fueron en muchas ocasiones una expresión contra el propio soporte que las albergaba, o sobre la situación política, y otras simplemente manifestaciones artísticas, y aunque las obras de la actual East Side Gallery, no son las de aquel momento  (y de una calidad cuestionable) son un recuerdo no solo de la historia de la ciudad, sino de esas formas de expresión, en el entorno urbano que comentaba antes.

Pero por supuesto hay mucho más, la ciudad de Berlín tiene  una variada y ecléctica colección de “Street Art” . La razón de la proliferación y variedad de este tipo de arte debemos buscarla en la propia historia de Berlín.

Después de la caída del muro en el año 1989, muchas zonas de la parte oriental fueron abandonadas y  muchas de las fábricas y oficinas fueron desmanteladas, pero también quedaron un gran número de casas vacías ya que muchas personas se fueron a la parte oeste, para reunirse con familiares o en la búsqueda de un empleo. Asimismo empezaron a llegar  un gran número de artistas, músicos, y en general personas dedicadas al mundo creativo, y empezaron a asentarse en esas zonas desocupadas,
principalmente en los barrios de Mitte, Friedrichshain, Prenzlauer Berg o Kreuzberg, donde encontramos muchas de estas obras. Otra de las razones, es que los alquileres en la parte oriental se seguían manteniendo más baratos que en la antigua parte occidental.

Las obras de Street art que empezaron a surgir, han ido configurando la imagen los lugares donde se encuentran, donde además son bastante aceptadas por los vecinos que los habitan, que en ocasiones incluso pagan obras para decorar las fachadas de las casas o espacios en el barrio.

El porqué estas obras no son borradas y se mantienen en las calles de Berlín, a diferencia de lo que ocurre en otras ciudades , responde a varios motivos:

-Falta de presupuesto del Ayuntamiento de la ciudad, para limpiar los espacios pintados. Es tan numerosa la extensión y número de obras que hay actualmente, que no pueden destinar, una partida del presupuesto del Ayuntamiento a tal fin, con la seguridad, además, de que esos espacios que limpien, volverán a aparecer con obras.
-Turismo. El Street Art en Berlín se ha convertido en un reclamo turístico, aunque no es un arte del todo “legal”. Existen numerosas visitas guiadas específicas por la ciudad que muestran las principales obras, artistas, espacios carísmaticos, merchandaising (postales, pósters, libros etc..).

-También se celebran numerosos eventos como los famosos Festivales Backjumps1, Urban Grassroots: planet prozess2 o Stroke Urban Art Fair, de la cual hablé en este post,  donde artistas de todo el mundo acuden invitados y fruto de esto aparecen nuevas obras en las ciudad,  documentándose además estilos, artistas y técnicas.

-Mercado del Arte. El mercado del Arte se ha interesado por estas manifestaciones, de manera que hay numerosos artistas que trabajan con Galerías, encontrándonos además un aumento en el número de las mismas dedicadas a esta temática como el caso de la ATM Gallery, Open Walls Gallery o Skalitzers Contemporary Art.

A continuación os pongo una pequeña selección (personal) de obras que responden perfectamente a la variedad de técnicas y estilos que se pueden encontrar en Berlín.

en Berlín encontramos muchos ejemplos de obras murales, que podemos  encontrar en muchos de sus barrios  para los cuales se utilizan como lienzo muros que quedan a la vista, tras demoliciones,  o para prevenir incendios.  Estos muros son un recuerdo de como la guerra, interrumpió proyectos de edificios o de los fallidos planes urbanísticos, y también que se han establecido como una parte del paisaje urbano de Berlín.

Estos muros no son muy atractivos así que para cambiar ésto, a menudo son invitados artistas, normalmente en conexión con festivales de Street Art como los que he comentado antes,  o dentro de Festivales Culturales como el caso de Weddings Walls, este es el caso del artista Victor Ash que realizó este mural en el marco de este festival en 2011.

Victor Ash, mural en el marco de Wedding Walls. Imagen 2013

Otro ejemplo bastante conocidos son los murales del conocido artista Blu, los cuales realizó en el año 2008 Se encuentran en el barrio de Kreuzberg uno a la derecha del otro. El primero a laizquierdaa, muestra un hombre ajustándose la corbata y que lleva dos relojes de oro Rolex los cuales están conectados con una cadena, también de oro. La segunda obra a la derecha, son dos personas con máscaras de gas que están intentado quitarse uno al otro, con una mano, la máscara. Con la otra mano, están formando letras con los dedos. Uno ha formado la “W” haciendo referencia a “West” (oeste) y con la otra se ha formado la letra “E” para Este “East” (este), haciendo clara alusión a la unificación de las dos Alemanias. Estos murales pudieron realizarse gracias a su participación en los festivales “Backjump” y “Planetprozess”

Blu. Murales en Friedrichshain.  Imagen 2012

También podemos encontrar instalaciones, objetos incluidos en el espacio urbano, a veces integrados en el paisaje urbano, otras separado de él. Con esta disciplina el Street art consigue una de sus más importantes metas, rediseñar el espacio urbano, lo cual establece una comunicación y al mismo tiempo lo integra en el entorno. Hay de muy diverso tipo y a veces se confunde en el entramado urbano, también tienen una duración variable, aunque suelen ser efímeras.

Como esta obra que fotografié paseando por Friedrichshain,  consistente en una lápida en el suelo, con el siguiente mensaje “ Lápida en recuerdo de un millonario destruido por vivir el Turbocapitalismo”

Un artista muy interesante del que podemos ver algunos ejemplos es ALIAS , Originario de Hamburgo, se trasladó a Berlín en el año 2003. Las obras suelen ser Fotomontajes o imágenes alineadas de diferentes tamaños, trabajando las técnicas del Stencil, Cut-outs, paste ups y stickers.

Para realizar su obra tal y como explica en esta entrevista utiliza fotografías o imágenes de diversas fuentes: de viajes que ha realizado, de películas o del buscador de Google.[1] Después las procesa por ordenador cambiando colores o modificando un poco la imagen, después la imagen se pone en un plástico y corta la forma, que es la que utiliza como plantilla. Sus obras tienen además un gran nivel de detalle.

Los motivos o temas que realiza son variados, pero lo que le han dado a conocer son las imágenes de niños, que utiliza como tema en numerosas ocasiones, y en diferentes posturas, vueltos de espaldas, sentados sobre una bomba, intentando llamar la atención de los transeúntes. Unas veces con actitudes de niños que esconden una malicia y otras en posturas más cercanas a a los adultos. También aparecen con frecuencia portando armas.

Alias. Cut-out en Friedrichshain

Y para terminar os dejo con este pensamiento:

“Imagina una ciudad en la que el graffiti no fuera ilegal, una ciudad en la que todo el mundo pudiera dibujar donde quisiera. Donde cada calle estuviera decorada con un millón de colores y pequeñas frases. Donde esperar el autobús nunca más fuera aburrido. Una ciudad que fuera como una fiesta a la que todo el mundo estuviera invitado y no solo los agentes del estado o los barones de los grandes negocios. Imagina una ciudad así y deja de apoyarte contra la pared. Está recién pintada”.Extraído del libro de Bansky Wall and Piece (2006)

Si queréis ver más imágenes de Street Art en Berlín aquí tenéis un álbum que he creado sobre esta temática y que voy actualizando a medida que voy encontrando obras.

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Internet ha traído cambios en la manera en la que se crean y distribuyen contenidos, así como nuevas maneras de comunicación entre las personas. Las Redes sociales además están creando nuevos espacios y están facilitando la forma en que los usuarios leen, crean o comparten contenidos, pasando éstos de ser usuarios pasivos a activos. Estas nuevas plataformas están cambiando nuestros hábitos y cada vez realizamos más actividades desde nuestros ordenadores, portátiles o dispositivos móviles y tablets.

En el caso del arte también se están produciendo estos cambios en la forma de relacionarse o las formas en las que se puede percibir o disfrutar el arte, además de la manera en la que se puede obtener información sobre artistas galerías, precios, museos, eventos, o incluso coleccionistas privados.

La figura del coleccionista del arte  también está cambiando, especialmente los jóvenes, son diferentes sus comportamientos y motivaciones a la hora de realizar una compra y están empezando a utilizar canales digitales para obtener información o establecer relaciones, un caso muy interesante para analizar,  es la conocida Red social Independent Collectors, que, actualmente cuenta con más de 4,500 miembros y 18,000 obras de arte subidas, por éstos, a la plataforma, lo que la convierte en una de las mayores exposiciones online de coleccionismo privado.

Esta plataforma fue creada en 2008, entre Berlín y Stuttgart, y sus fundadores son coleccionistas en activo, cuyo objetivo es que otros puedan construir una red de contactos con e intercambiar información sobre  arte contemporáneo, artistas, galerías, ferias de arte, etc… y donde además pueden presentar su propia colección y realizar votaciones de galerías.

La idea surgió a partir del hecho de que coleccionar arte contemporáneo ha cambiado. Los coleccionistas son personas diferentes hoy en comparación con hace diez años.Una de las ideas básicas es que se pueden visitar las colecciones privadas de otros coleccionistas de todo el mundo en cualquier momento. Los coleccionistas también pueden organizar exposiciones en línea.

¿Y qué hay de los otros agentes? En este post me voy a centrar en el caso de las galerías de arte, cabe decir que el uso que hacen la mayoría de las redes sociales, es todavía muy corporativista, utilizándolas por ejemplo para  promocionar su actividad, como se puede ver en el estudio que publicó Dosdoce comunicación sobre la presencia en internet de galerías de arte.

Utilizando las redes sociales deberían poder mantener su fiabilidad, su condición de expertos, ya que  si como he hablado anteriormente muchos coleccionistas están explotando estas nuevas tecnologías para conocer otros coleccionistas y compartir su conocimiento sobre arte y artistas, sobre todo jóvenes artistas, esto puede provocar que el papel del comerciante del arte, pase a un papel más secundario. El hecho de que los coleccionistas tengan una actitud más activa y una mayor conciencia sobre el papel que desempeñan. la posibilidad de obtener información e incluso entrar en contacto directo con artistas sin ninguna mediación.

Aunque estos cambios se están produciendo ahora, es ahora cuando hay que empezar a trabajar con las Redes Sociales, conocerlas, trabajar con ellas y sobre todo, publicar contenidos de calidad, y establecer relaciones entre todos los agentes que conforman el mercado del arte, obtener más visibilidad y comunicarse con un público más amplio.

Para finalizar una reflexión: ¿Créeis que la actitud muchas veces elitista del mercado del arte chocará (o ha chocado) con “la idea democrática de internet y las redes sociales?

Crédito de la imagen: Marc Wathieu cc

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S edition (Sedition en castellano). Comenzó  a funcionar el en año 2011  y es una idea original de Harry Blain, fundador de la principal casa de arte contemporáneo internacional Haunch of Venison, Norton y Robert, el ex CEO de Saatchi Online, que posee una extensa la base de datos digital de los artistas contemporáneos. Es un ejemplo de las posibilidades de negocio que tiene adquirir productos para soportes digitales.

El propio Blain dijo:

“Pero lo que hemos tratado de hacer es replicar  online todo lo que puedes hacer  en el mundo físico cuando compras una obra de arte … No hay razón para creer que el mercado digital no funcionará de la misma manera.”

Sedition combina las funciones de una tienda online (lista de deseos, tarjetas de regalo, regalo  de cantidades de dinero por atraer nuevos usuarios al estilo Privalia etc..) con las de una red social (otros pueden ver lo que has seleccionado o puedes tener contacto con otros usuarios).

Hay que destacar que no vende obras en formato físico sino únicamente en formato digital,  o podríamos decir digitalizado (algunas obras como el corazón de Neón de Tracey Emin es un animación de una instalación suya), cuyo precio oscila entre los  6€-1200€ en ediciones que van entre las 1000-10.ooo copias. Para evitar las falsificaciones cada comprador/a obtiene un certificado de autenticidad (digital, también) que le identifica como propietario/a de la obra.

La plataforma ofrece ediciones digitales de obras de artistas  de fama  internacional como  la ya citada Tracey Emin , Damien Hirst Bill Viola o Jake y Dinos Chapman y otros cercanos al arte contemporáneo como el cineasta alemán Wim Wenders. Algo así como obtener obras “menores” de artistas muy valorados en la actualidad (tendríamos en este momento que reflexionar sobre el valor de la marca vs la calidad de la obra), a un precio asequible.

Es destacable también que cada coleccionista  cuenta con su espacio (llamado Vault), al que accede para ver las piezas adquiridas. Éstas están disponibles en diversos formatos, para ser vistas en un televisor con conexión a Internet,  en el iPhone o en el iPad . Con una aplicación para cada dispositivo  nos permite visualizar las obras, con lo cual podemos colgar  una pantalla plana  y emplearla como lienzo digital o llevar la colección en el bolso para poderla enseñar donde vayamos.

Art.sy No es únicamente una plataforma para vender obras de arte. El objetivo principal con el que comenzó este portal, fue crear una gran base de datos que permitiera a los usuarios  realizar búsquedas eficientes de obras de arte y artistas, y a partir de ahí poder  crear tus propias colecciones y compartirlas en las Redes Sociales. Convertirte en una especie de Comisario al más puro estilo 2.0.

Así en Art.sy  no todas las obras están a la venta, lo característico de esta página es su potente buscador que te permite realizar búsquedas por estilo o movimiento, arte contemporáneo, tema o país. A continuación tenemos unos filtros para refinar la búsqueda como el tipo de obra, color, formato o en el caso de que estemos interesados en comprar podremos añadir también el precio.

Actualmente no está abierta, sino que se requiere una invitación, que se puede solicitar desde la propia página. Tienen un total de 5,000obras de arte de unos  3,700 artistas de 400 instituciones entre conocidas galerías, museos, colecciones privadas e instituciones.

Vip Art Fair. Es una Feria de arte contemporáneo que tiene lugar exclusivamente en la Red. Fundada por James and Jane Cohan, propietarios de la James Cohan Gallery en Nueva York.  En el caso de VIP Art Fair pretende evocar la misma sensación que se obtiene en una feria real. Así abren distintos eventos y podemos navegar por las diferentes galerías que participan o por las obras  , en un espacio bidimensional, por lo que favorece las obras como lienzos, fotografía o video, pero no a las obras tridimensionales, como la escultura no tanto ya que aparecen solo fotografías.

Este proyecto no pretende sustituir a la Feria tradicional, sino que se dirige a aquel público que, por una razón u otra, no asiste a ferias físicas y aquí tiene la oportunidad de participar online.

Collect Online. Se ha anunciado recientemente,  en el marco de la Feria de Arte Contemporáneo (ARCO) 2013, propone un espacio digital donde los interesados podrán adquirir obras, de una selección procedentes de las galerías participantes,cuyo precio no superará los 5.000 euros, desde el 1 al 17 de febrero, en colaboración con la plataforma de venta online de obras de arte norteamericana Paddle.

 Mecenas 2.0. He querido también incluir esta iniciativa malagueña, de reciente creación  que tiene como objetivo difundir y vender la obra de artistas emergentes (estudiantes de Bellas Artes de cualquier lugar de España) . Recuperar algo así como el concepto de Mecenas para aquellos artistas que no tienen todavía una trayectoria, para que éstos además tengan sus primeras experiencias de como funciona el mercado del arte.

Después de analizar las plataformas, extraigo una serie de reflexiones que os expongo para comenzar el debate

• En mi opinión internet es el espacio natural, para los nuevos formatos y estas plataformas deberían integrarlos mucho más, en el caso de los formatos más “tradicionales” como el caso de la pintura o la escultura que es más dificil de apreciar a la hora de estar interesados, a no ser que utilices fotografía de alta definición o video.
• Muy pocos ofrecen un servicio de asesoramiento de algún tipo,  para aquellas personas que estén interesadas.
• Tampoco estaría mal plantearse el hecho de hacer más participativas estas páginas, por ejemplo ir un paso más allá y permitir un sistema de recomendación de la comunidad de las obras.
• Sigue habiendo en la mayoría de los casos, poco apoyo a artistas o galerías más emergentes, se apuesta por lo conocido, pudiéndose utilizar como espacio de difusión de artistas o galerías emergentes.
• Pese a que el arte  le gusta la innovación y los conceptos que son novedosos, el mundo del arte y específicamente el mercado del arte es bastante rígido y parece que para que una iniciativa tenga éxito debe de integrarse en estos parámetros. Creo que el formato “internet” no es lo mismo que el formato presencial, pero tampoco tiene porqué parecerse. Creo que en este aspecto se podrían hacer cosas mucho más innovadoras.

¿Qué opináis? ¿ Son estas iniciativas las adecuadas para vender arte en la red? ¿Compraríais vosotros/as obras en alguna de estas plataformas? Si conocéis alguna otra iniciativa interesante podéis incluirla en los comentarios y así animar el debate.

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Nuestro Rostro es el lugar del Otro más cercano

David Le Breton, Des visages

Este jueves pasado, tuve la oportunidad de asistir a una visita muy especial,  a las exposiciones que la Fundación Mapfre tiene actualmente en la sala Recoletos de Madrid: Retratos. Obras maestras del Centre Pompidou y Jean Paul Gaultier. Universo de la Moda. De la calle a las estrellas

Creo que por su interés, merecen cada una un post diferente, así en este primero os contaré sobre la Exposición Retratos. Obras maestras del Centre Pompidou.

Esta exposición propone un  interesante recorrido por el complejo y rico género del retrato a lo largo del siglo XX,  comisariada por Jean-Michel Bouhours, conservador del centro francés, de cuya colección permanente proceden las 80 obras que conforman la muestra.  La exposición se inicia con el retrato de Erik Satie realizado por Suzanne Valadon entre 1892 y 1893, y se cierra con la fantástica obra La marroquí, de John Currin (2001).

Es interesante destacar que, aunque parezca lo contrario, el último siglo es un periodo muy fecundo y creativo en cuanto al género del retrato y por ejemplo, las vanguardias artísticas fueron un periodo muy prolífico de experimentación del mismo. La exposición nos permite además  hacer un  recorrido a través de las revoluciones pictóricas y escultóricas que se fueron sucediendo durante esos años. Así, el recorrido es cronológico, pero nos adentra en este género a través de grandes ejes temáticos, que ayudan a comprender esos cambios que se van produciendo.

A continuación la  exposición  nos sumerge en el género del autorretrato , que quizás,  es para muchos artistas uno de los ejercicios más complejos de representación. Así los artistas proyectan en las obras su propia esencia pero también sus miedos y temores, como el caso de los autorretratos  de Matisse o de Francis Bacon que pueden verse en la exposición.

En esa experimentación el rostro se va aislando del resto del cuerpo y la morfología de éste se va simplificando hacia la abstracción y vemos como los artistas se van alejando cada vez más del mimetismo. Como en el caso de la escultura,  la exultante obra de Brancusi La musa Dormida (1910), donde el escultor elige representar solo la cabeza reclinada y simplifica al máximo el rostro.

¿Y qué ocurrió cuando apareció la fotografía? en el  último espacio se dedica a ésto y como condicionó el retrato pintado. también la relación entre ambas,  y como la fotografía tomó de la pintura elementos, como por ejemplo, la composición ofreciendo a cambio e objetividad y fidelidad al natural. Y  la pintura también tomó prestada de la fotografía otras cualidades, como el posado, a la vez que reivindicaba la plasticidad de lo pictórico o del motivo.

También el retrato pintado reivindicó su autonomía ensanchando sus horizontes y posibilidades (tomando otras referencia como, por ejemplo, el comic).

Me gustaría destacar en el montaje expositivo, el impactante trabajo de iluminación  que lleva a cabo el equipo de la Fundación Mapfre que consigue resaltar, más si cabe, las obras.

Me gustaría agradecer a Paula y a Javier la atención recibida y el esfuerzo que están haciendo en incorporar dinámicas novedosas a través de las Redes Sociales.

Esta exposición se puede visitar hasta el 6 de Enero, no os la perdáis!!

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La exposición es una amplia retrospectiva de este artista estadounidense, formada por once series que abarcan desde sus primeras imágenes de los años 70, hasta  las últimas del año 2007. En este post me voy a centrar solo en cuatro de ellas.

Joel Sternfeld es un pionero de lo que se ha llamado la “Nueva fotografía de color” desde los años 70. Aunque parezca raro ésta comenzaba en esos momentos  y no era muy valorada por la fotografía artística  ya que normalmente  se utilizaba en imágenes de publicidad o moda y los artistas tradicionales continuaba realizando sus fotografías en blanco y negro.

«Recuerdo que a principios de la década de los setenta fui a una galería a enseñar mi trabajo y el galerista me dijo: ‘¿Por qué trabajas en color,con lo  natural que es el blanco y negro?’. Éramos muy pocos los que trabajábamos el color y todos nos conocíamos: Stephen Shore, Helen Levitt, William Egglestone… Era una situación parecida a la del cristianismo de las catacumbas: si por casualidad te encontrabas con un fotógrafo que estaba haciendo lo mis- mo que tú, lo único que querías era meterte con él en un sótano para hablar largo y tendido,como nuevos conversos deseosos de intercambiar pareceres sobre los misterios de su religión». J.S. 

Así en las primeras series  de los años 70 el artista reivindica el color como forma de expresión artística.

En el  caso de las series “Happy Anniversary Sweetie Face!” o “Rush Hour”, de esos años además de mantener la riqueza del color,  sigue la tradición de la fotografía callejera, explorando escenas de la vida cotidiana americana, con un tono humorístico. Aquí Sternfeld enfatiza el fugaz momento en una fotografía, que capta el “continuum” del tiempo.

Washington D.C., August 1974 Crédito de la imagen:Luhring Augustine

Una de la serie de imágenes más interesantes  expuestas es “American Prospects” , la realizó en un viaje que realizó a través de Estados unidos, entre los años 1978-1986, el artista capta la relación entre las personas y el paisaje. En ellas también  ilustra la problemática del uso y transformación de la naturaleza. Una de las fuentes de inspiración para esta serie fue las obras del artista Walker Evans, con una idea mostrar la nueva realidad deslumbrante física de los años 70, contrastada con la perturbación de la gente.

Una de las imágenes que más impacto tuvo en la visita fue la obra en la que aparece un puesto de venta de calabazas en primer plano, y al fondo una casa en llamas, lo llamativo de la escena es que aparece un bombero escogiendo tranquilamente una calabaza.

McLean, Virginia, December 1978  Crédito de la imagen:Luhring Augustine

 “Stranger Passing” esta serie de imágenes que comenzó en 1987 y realizó durante un período de catorce años, el tema principal es el retrato, las personas que parecen en los mismos son caracterizadas a través de su apariencia, ropas, poses y el medioambiente en el cual son representados. Pero el artista se aleja de los retratados en estas imágenes con la intención de no emitir ningún juicio acerca de éstos

A Woman Out Shopping with Her Pet Rabbit, Santa Monica, California, August 1988 Crédito de la imagen:Luhring Augustine

Fácilmente podrían las imágenes de la serie “On this site” Realizada ( 1993 -1996), confundirse con lo que parecen ser imágenes serenas del paisaje urbano, suburbano o rural, pero la realidad es que son  fotografías escenas de crímenes escondidas en lugares cotidianos . Sternfeld describe su proyecto como la búsqueda de la “lista de lugares que él  no puede olvidar A causa de las tragedias que los identifican.” Pero muchos de estos lugares, sin embargo, no están marcados por las huellas de los eventos catastróficos.

Así las imágenes son neutrales y no muestran ninguna pista de los sucesos acontecidos allí, es notable la ausencia total de personas en la imagen . La historia del suceso, se explica en un texto que forma parte de la obra.

Aisle 2, Row 3, Seat 5, Texas Theatre, 231 West Jefferson Boulevard, Dallas, Texas, November 1993 Crédito de la imagen:Luhring Augustine

Texto que acompaña la obra: Lee Harvey Oswald was sitting in this seat when he was arrested by Dallas police at 1:50 P.M., November 22, 1963. The double feature playing that day was Cry of Battle and War Is Hell

“Sweet Earht” se configura como una investigación del paisaje social, influenciada por la atmósfera de los años 90, inmediatamente después del colapso de los estados comunista, el fotógrafo nos enfrenta con modelos de comunidades alternativas. Estas imágenes se acompañan de un texto que nos da información sobre el experimento social y sus razones políticas, ecológicas o religiosas. Representan un importante paso en su examen del  pasisaje como indicador social.

«Después de American Prospects llegué a la conclusión de que quería dedicar mi trabajo a la dicotomía entre la utopía y su reverso,lo que se suele llamar ‘distopía’. En 1982 hice una visita a Scott Nearing,un filósofo que preconizaba la vuelta a la tierra y que ejerció mucha influencia sobre los movimientos hippies de los años sesenta. Cuando lo conocí,tenía noventa y nueve años y vivía en el campo,en Maine. Me recibió en su patio trasero,donde estaba cortando leña. Le enseñé las fotos que algo más tarde se convertirían en American Prospects pensando que le gus-tarían,porque eran críticas con Estados Unidos. Pero no le gustaron nada; le parecieron demasiado críticas y me sugirió que imaginara un mundo ideal y luego lo fotografiara. Y eso hice: me dediqué a fotografiar comunas y colectividades que habían nacido a partir de una idea utópica». J.S. 

Runis of Drop City, Trinidad, Colorado, August 1995
from Sweet Earth Crédito de la imagen: Luhring Augustine

Esta retrospectiva puede visitarse hasta el  13 de Enero  en el C/O Berlin – International Forum For Visual Dialogues.

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 ”Childhood is a theme for me because I think it’s important to discover what’s way past but still in the memory as an image.”

Hasta el 7 de Abril de 2013 se puede visitar  ”KinderKreuzzug” (Children´s Crusade) en la Nationalgalerie en una exposición en el Hall central del impresionante Hamburger Bahnhof  en Berlín.

La obra de Martín Honert deriva de imágenes de la infancia que han perdurado en la memoria del autor,  como fotografías del álbum familiar o dibujos que realizó cuando era niño. Así  el artista recrea momentos de su propia infancia y los transforma en objetos tridimensionales. Detrás de cada obra hay una historia modelada con fantasías, sentimientos ambivalentes y experiencias de su niñez.

Todas las obras que se muestran en la exposición tienen asignado un número, con el cual se puede consultar en un folleto un texto introductorio escrito por el propio artista, que consigue introducirte de lleno en el universo de la obra y en el proceso de creación de la misma.

Así por ejemplo en la obra “Photo”, el autor escoge una imagen del álbum familiar, de un viaje realizado a España en 1958, y que iba a ser la primera fotografía en la proyección. En sus propias palabras:  La escena fue cuidadosamente arreglada y bien podría haberse titulado “la familia planea un viaje a España”. Todo el mundo en la familia excepto yo está examinando los mapas y los libros sobre la mesa. yo estoy mirando la cámara porque no entiendo el juego y estaba más interesado en la cosa negra haciendo un extraño zumbido, el sonido del temporizador.

De Exposición de Martin Honert en Hamburguer Banhof

En la fotografía tridimensional que realiza el artista en 1993, aisla el breve contacto entre la cámara y él mismo, pero no incluye al resto de miembros de su familia que aparecían en la fotografía originaria.

Una de las obras que me parecieron más impactantes fue “Mirage”, que en palabras del artista es un intento de volver lo impalpable, lo inmaterial en una forma sólida.

Al mismo tiempo es un intenta asociar la idea del espejismo con la memoria de una fotografía de la infancia del autor,  donde aparece construyendo un castillo de arena en la playa. El recuerdo de ese castillo de arena lo encontramos en el suelo de la instalación,  como un objeto real. El espejismo en cambio cuelga verticalmente en el espacio.

De Exposición de Martin Honert en Hamburguer Banhof

En cambio  la obra Lantern es un ejercicio de definición del espacio, que realizó para la Exposición Human Kind en uno de los pabellones de la EXPO 2000 en Hannover.

Así convirtió un cubo en un gran farol. La escena que eligió es la que bien podría ocurrir en el interior de un cubo: en una habitación abierta al cielo el artista está tumbado en la cama ligeramente erguido, viendo la televisión. Las imágenes de las cuatro caras del cubo están construidas, acordes con la situación espacial de los cuatro puntos de vista de la habitación.

De Exposición de Martin Honert en Hamburguer Banhof

Una de los montaje más espectaculares es la Obra ” A model Scenario of the flying Room”, que realizó en 1995 para el pabellón alemán en la Biennale de Venecia. La obra está basada en el libro para niños de Erich Kästner “The Flying Classroom”, publicado en 1993.

La historia versa sobre dos clases rivales y las cosas tristes o bonitas que ocurre en el día a día de cualquier escuela. Destacado es una obra que escriben los propios alumnos para una obra de Navidad, llamada “The flying classroom”, que describe una escuela en el futuro, en el que la clase de geografía toma forma de un viaje al lugar a ser estudiado: Las pirámides de Giza o el Polo Norte.

El argumento que el escritor piensa para la obra de los escolares, es una parábola del teatro occidental. La localización del argumento es en cualquier lugar o ningún lugar, en el cielo o en la tierra. Incluso los personajes sonvariables joven y anciano, hombre o mujer. Pasado, presente y futuro están unidos en un solo tiempo.

En la obra de Martin Honert  ha intentado hacer la traslación de este argumento  en un sola imagen que puede ser percibida simultáneamente. La obra consiste en nueve figuras y cuatro apoyos. Las figuras han sido construdias en dos partes la parte frontal y la trasera. La pirámide y el volcan emergen de la pared. Sobre ellos aparece el avión. Minetras que el Polo norte se representa como una sección de un globo terraqueo, enfrente de las figuras.

De Exposición de Martin Honert en Hamburguer Banhof

En resumen un viaje a la infancia y  sus imágenes que , cada un@ de nosotr@s tenemos guardados en nuestra mente, en forma de recuerdos desdibujados de libros, películas, vivencias y que pueden despertar al ver una vieja fotografía, o paseando por esta exposición.

Si queréis ver más obras de la Exposición podéis consultar este álbum 

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