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expo_Coberlin

Joel Sternfeld: el color,el instante perfecto #museup

Hace unos días asistí a la exposición que se encuentra actualmente en el C/O Berlín, sobre el artista Joel Sternfeld en el marco del evento  MuseUp (museum + tweetup), una iniciativa de Museum 140, en colaboración con Timeline e.V que consiste en un encuentro con una visita guiada donde los participantes twittean  impresiones, fotografías etc, sobre la exposición, mientras otros usuarios pueden unirse online, por ejemplo twitteando preguntas que les surjan. Puedes ver el Storify del encuentro aquí.

La exposición es una amplia retrospectiva de este artista estadounidense, formada por once series que abarcan desde sus primeras imágenes de los años 70, hasta  las últimas del año 2007. En este post me voy a centrar solo en cuatro de ellas.

Joel Sternfeld es un pionero de lo que se ha llamado la “Nueva fotografía de color” desde los años 70. Aunque parezca raro ésta comenzaba en esos momentos  y no era muy valorada por la fotografía artística  ya que normalmente  se utilizaba en imágenes de publicidad o moda y los artistas tradicionales continuaba realizando sus fotografías en blanco y negro.

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Arbus-Portrait_Supplied

Diane Arbus retrospectiva en Berlín

“I really believe there are things which nobody would see unless I photographed them.” – Diane Arbus

Este fin de semana me acerqué  a  ver la exposición de Diane Arbus que organiza The Martin-Gropius-Bau, una retrospectiva de 200 imágenes de esta conocida fotografa,  que no pueden dejar impasible a nadie.

Las imágenes fueran tomadas en su mayoría en la ciudad de Nueva York entre finales de los años 60 y principios de los 70, y nos presenta un grupo ecléctico de personas como parejas, niños,  nudistas, travestis, gemelos, gigantes, habitantes de los circos, participantes de concursos etc..

Identical Twins, Roselle, N.Y.,1967

Las imágenes muestran la sensibilidad de Arbus, hacia las diferentes personas que hay en la sociedad mostrándolas en actitudes cotidianas.

Así ha sido descrita por fotografiar personas marginales, minorías o feos que aparecen normalizados a través de su lente, lo que le valió una cierta incomprensión de sus obras y detractores como Susan Sontag (a la realizó un retrato que puede verse en la exposición), que en 1973 escribió el ensayo “Freak Show” , donde critica duramente su  obra, por considerar  que la manera que tiene de retratar a estas personas  las deshumaniza, al no causar ningún sentimiento de compasión, sino más bien todo lo contrario provocando una reacción”patética y lamentable, así como repulsiva”.

Jewish giant at home with his parents N.Y.C. (1970)

Russian midget friends in a living room on 100th street, N.Y.C. (1963)

Aunque también podríamos pensar que quiere mostrarnos personas alejadas de los cánones de belleza o morales establecidos, totalmente normalizadas.

Pero ella reconoce el potencial de crueldad que puede tener el retrato:

“The process itself has a kind of exactitude, a kind of scrutiny that we’re not normally subject to… We’re nicer to each other than the intervention of the camera is going to make us. It’s a little bit cold, a little bit harsh.”

Diane Arbus, Patriotic young man with a flag, 1967.

La exposición es intencionalmente minimalista, desafía al espectador a encontrarse solo con el intrínseco poder de las fotografías. No hay textos informativos, ni explicaciones de las obras a lo largo de las diferentes salas. Tampoco están ordenadas las fotografías por series, cronológica o temáticamente. Así las piezas están solas con el título original que puso la artista, permitiendo a los espectadores ver a los personajes tal y como lo hizo ella, sin ningún juicio externo.

Al final del recorrido hay multitud de paneles biográficos, información sobre las obras y  objetos personales, como sus diferentes libros de notas. Además hay una sala con abundante material bibliográfico que se puede consultar,  y que completan la experiencia de asistir a esta exposición.

Si tenéis la oportunidad no os la perdáis.

Información Adicional sobre la exposición:

MARTIN GROPIUS BAU
Exposición del  22 de junio al 23 de Septiembre de 2012
Niederkirchnerstraße 7 (pincha aquí para ver al mapa )

 

Museo de la Fotografía de Berlín y Helmut Newton

Este domingo he ido a visistar El Museo de Fotografía (Museum für Fotografie) que se encuentra cerca de la estación del jardín zoológico de Berlín ( Zoologischer Garten) . En este fantástico edificio restaurado, que fue un casino militar,  se encuentra la Fundación de Helmut Newton, que se creó en el año 2004  como una donación del fotógrafo y de Alice Springs su esposa.

Así el museo acoge una buena parte de su obra desde poco después su fallecimiento el 23 de Enero de 2004 en un accidente de tráfico en Los Angeles.

Para los que no lo conozcáis a  Helmut Newton  (Berlín, 1920-Los Ángeles, 2004) está considerado hoy como uno de los mejores retratistas de desnudos femeninos del siglo XX . Éste caracterizaba las fotografías que se publicaron en revistas de moda como Vogue, Marie Claire y Elle.

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Sala 3 : El patrimonio. La Exposición Expandida

           “Integran el Patrimonio Histórico Español los inmuebles y objetos muebles de interés artístico, histórico,

paleontológico, arqueológico, etnográfico, científico o técnico. También forman parte del mismo el
patrimonio documental y bibliográfico, los yacimientos y zonas arqueológicas, así como los sitios
naturales, jardines y parques, que tengan valor artístico, histórico o antropológico”.

Ley del Patrimonio Español ( 1985)

El surgimiento del este concepto podemos encontrarlo en el  s.XIX con las esfervecencia romántica que busca en su patrimonio pasado la identidad nacional de los países considerando los “monumentos” como representación de ese pasado.

Los viajeros románticos de l s.XVIII y XIX  que inaugurarán  el turismo, retratan en sus ilustraciones y libros  los edificios más característicos y hermosos de las ciudades que van visitando, sitios que luego se convertirán en los hitos patrimoniales de las ciudades actuales , pero también retratan  las costumbres, vestimentas de las personas que viven allí, alimentado muchas veces una imagen de los lugares impregnada de su visión romántica y  alejada de la realidad.

Venta de Benicassim (Vistas de España), por Edward Hawke Locker.

 

Interior de la Mezquita de Córdoba por Jean Lubin Vauzele Córdoba (1807)

Pero solo se quedan ahí sino que  además ya documentan los expolios y destrozos que sufren estos, como en el caso de Gustave  Doré que en su visita junto a Davillier por España retrata a este ladrón de azulejos en la Alhambra de Granada.

Ladrón de azulejos de Gustave Doré en su obra Viaje por España

 En la actualidad los artistas incluyen el patrimonio en sus obras de muy diversas maneras. En esta sala hemos elegida tres obras de tres artistas para ilustrar  diferentes miradas.

Como comenta  Michel de Certeau, la ciudad cotidiana es un texto escrito por quienes la recorren en sus itinerarios habituales “haciendo uso de un espacio que no puede ser visto”. Huyendo del modelo de ciudad-panorama exclusivamente visual, panóptica y geométrica, trazada por urbanistas y cartógrafos, surge la necesidad de elaborar nuevas cartografías sensibles que cuestionen el concepto de ciudad como espacio unívoco y abstracto

Así el artista multimedia Chiu Longina en sus  “Mapas sonoros” reinvindica la importancia del sonido que está  siempre presente con nosotros, integrado en nuestra vida cotidiana, que conforma nuestra identidad y nos diferencia de otras culturas. Una manera de conocer los sitios a través de sus sonidos.

En escoitar.org se puede visitar este espacio  que consiste en una plataforma web, que geolocaliza los puntos sonoros que se van dando de alta creado así un mapa sonoro, en este caso de Galicia.


Es posible navegar por todos estos sonidos, escucharlos, descargarlos, subir nuevos sonidos, buscarlos por sus carácterísticas  (pájaros, sonidos industriales, señales acústicas, sonidos naturales, sonidos humanos, etc.),

Así a través de esta cartografía del sonido se busca  la conservación de la memoria sonora, la puesta en valor del patrimonio cultural inmaterial, el fomento de la participación de los oyentes en la configuración del patrimonio sonoro .

El artista  Alonso Gil  indaga en las manifestaciones populares como búsqueda de la autenticidad en su obra “Felicidad en el trabajo”(2008) se acerca al flamenco desde dentro, rastreando en los hábitos de aquellos que lo viven como una forma de expresión inherente a sus rutinas diarias.

Es una videoinstalación realizada en clave documental que, como indica su título, aborda la idea de la felicidad en el trabajo a través del cante flamenco.

Esta obra, realizada en Andalucía y Extremadura, muestra a personas de varios oficios que cantan al tiempo que realizan sus tareas y trabajos; gestos que fluyen entre la celebración y el lamento, el gozo y el regocijo.

Fandangos, deblas, tientos y otros muchos cantes se marcan a ritmo de diversas actividades cotidianas como la conducción de un autobús, el corte de telas bajo la maestría de un sastre, la doma de caballos, etc. con la cadencia que impone el saber que ese cante no forma parte de ninguna actuación, que es para el propio disfrute.

La obra se compone de ocho monitores y en cada uno de ellos aparece uno de los ocho integrantes de este vídeo.

En la obra cuenta con cantaores  José Bueno, ‘Niño de los Brezos’; Antonio Talén; Manolo Cárdenas; Gabriel Jiménez Cortes y Gabriel Jiménez Heredia. Pero también aparece una profesora de instituto en su aula, un camarero cortando jamón y un conductor de autobús extremeño que canta mientras conduce su autobús en viajes de largo recorrido.

El artista pretende mostrar el arte flamenco como parte inherente a la vida cotidiana de muchas personas, alejándose de la idea del flamenco como un arte cerrado o con un claro componente folkórico que está alejado de la población. Así, se apuesta por componer una especie de retablo que transmita al espectador la sensación del cante como algo que acompaña en el día a día.

Los elementos patrimoniales también han servido como  fuente de inspiración y soporte para la obra de muchos artistas. En una obra del artista Eugenio Recuenco “Untittled” utiliza el friso del Partenón griego y sus escenas para realizar verdaderas escultura fotográficas.

La escultura trata de emular y captar la forma humana, Recuenco invierte estas leyes del arte recreando esculturas griegas usando lentes y modelos humanos reales.

 

Fine Art, Greek Frieze from Eugenio Recuenco on Vimeo.

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Arte en Flickr

Quería compartir con vosotros, este albúm de Flickr que me han pasado:

http://www.flickr.com/photos/norby

Es una maravilla lo que ha hecho este chico utilizando esta herramienta, 2,o que para quien no la conozca (aunque creo que poca genté habrá a estas alturas jjjj), es una aplicación online para subir tus fotografías o imágenes, permiténdote ordenarlas, editarlas y compartirlas con otros usuarios. Read more…